INNLEDNING Historien til russisk teater er delt inn i flere hovedscener. Den innledende, lekne scenen har sitt opphav i klansamfunnet og slutter på 1600-tallet, når et nytt, mer modent stadium i utviklingen av teatret begynner, som kulminerte med etableringen av et permanent statlig profesjonelt teater i 1756. Begrepene "teater" og "drama" kom inn i den russiske ordboken først på 1700-tallet. På slutten av 1600-tallet var begrepet "komedie" i bruk, og gjennom hele århundret - "moro" (Poteshny Chulan, Amusing Chamber). Blant massene ble begrepet "teater" innledet med begrepet "skam", begrepet "drama" - "spill", "spill". I den russiske middelalderen var definisjoner synonyme med dem vanlige - "demoniske" eller "sataniske" bøllespill. Alle slags underverker brakt av utlendinger på 1500- til 1600-tallet, samt fyrverkeri, ble også kalt forlystelse. De militære aktivitetene til den unge tsar Peter I ble også kalt morsomme.Begrepet "spill" er nært opp mot begrepet "spill" ("buffoon-leker", "festspill"). I denne forstand ble både bryllupet og mumringen kalt "spill" eller "spill". "Lek" har en helt annen betydning i forhold til musikkinstrumenter: spille tamburiner, snuser osv. Begrepene "spill" og "spill" som brukt om muntlig drama ble bevart blant folket frem til 1800- og 1900-tallet.
Russisk teater oppsto i antikken. Dens opprinnelse går tilbake til folkekunst - ritualer, høytider forbundet med arbeidsaktivitet. Over tid mistet ritualene sin magiske betydning og ble til prestasjonsspill. Elementer av teater ble født i dem - dramatisk handling, mumring, dialog. Deretter ble de enkleste spillene til folkedramaer; de ble skapt i prosessen med kollektiv kreativitet og ble lagret i folks minne, og gikk fra generasjon til generasjon.
Oksespill. En fyr utkledd som en okse holder i hendene, under et teppe, en stor leirgryte med ekte oksehorn festet til. Spillets interesse er å støte jentene.Som vanlig begynner jentene å skrike og skrike, hvoretter oksen blir drept: en av gutta slår potten med en stokk, potten knuses, oksen faller og blir båret borte. Spill Konyashki - Spillere er delt inn i to "tropper". Hver "hær" er delt inn i "hester" og "hester". Rytterne er vanligvis jenter. Spillernes oppgave er å ubalanse det andre paret. Den som holder seg på beina lengst vinner. Etter å ha sett slike spill bak buskene, fant kristne på forferdelige historier om "hoppende hekser" som driver folk i hjel.
Spillene hadde opprinnelig en runddans-, korkarakter. I runddansleker ble kor og dramatisk kreativitet organisk slått sammen. Sanger og dialoger som rikelig ble inkludert i spillene bidro til å karakterisere bildene av spillene. Massemarkeringer hadde også en leken karakter; de ble tidsbestemt til å falle sammen med våren og ble kalt "Rusalia." . Høytidens sentrum var ritualet med begravelse eller farvel til havfruen. Deltakerne valgte den vakreste jenta, dekorert med mange kranser og "guirlander" av grønt. Deretter gikk prosesjonen gjennom landsbyen, og sent på ettermiddagen tok deltakerne «havfruen» ut av landsbyen, oftest til elvebredden. Mens de fremførte spesielle sanger, ble kranser og kranser fjernet fra havfruen og kastet i vannet eller i en ild (hvis det ikke var noen elv i nærheten). Etter at seremonien var fullført spredte alle seg, og den tidligere havfruen prøvde å ta igjen en av de som fulgte henne. Hvis hun fanget noen, ble det ansett som et dårlig tegn, som varslet om fremtidig sykdom eller død.
Rusalia-ferien begynner med å hedre forfedre, som er invitert til å bli i huset, og sprer friske bjørkegrener i hjørnene av huset. Dette er også en dag for minne og kommunikasjon med vann-, eng- og skogmariner - havfrueånder av et slag. Ifølge legender blir de som dør for tidlig uten å bli voksne eller som går bort frivillig havfruer og havmenn. Kvinner utfører hemmelige ritualer, og overlater husarbeidet til menn, noen ganger for hele uken. Og de som har barn, legger igjen barnas gamle klær, håndklær og sengetøy til havfruebarna på marken eller på grenene nær kildene. Det er nødvendig å blidgjøre havfrueåndene slik at de ikke plager barn og andre slektninger og høsten. . Ifølge legenden, under Mermaid Week, kunne havfruer sees nær elver, i blomstrende felt, i lunder og, selvfølgelig, ved veikryss og på kirkegårder. Det ble sagt at under dansene utfører havfruer et ritual relatert til beskyttelse av avlinger. De kunne også straffe de som prøvde å jobbe på høytiden: tråkke de spirede ørene, sende avlingssvikt, regnbyger, stormer eller tørke. Et møte med en havfrue lovet utallige rikdommer eller ble til ulykke. Jenter, så vel som barn, bør være på vakt mot havfruer. Det ble antatt at havfruer kunne ta et barn inn i sin runddans, kile eller danse i hjel. Derfor, under Havfrueuken, var barn og jenter strengt forbudt å gå i marken eller engen. Hvis barn døde eller døde under Mermaid Week, sa de at de ble tatt inn av havfruer. For å beskytte deg mot en havfrues kjærlighetsform, måtte du ha med deg skarpt luktende planter: malurt, pepperrot og hvitløk.
Kiev-Russland Tre typer teatre var kjent: hoff, kirke og folkemusikk. I 957 ble storhertuginne Olga kjent med teatret i Konstantinopel. Freskene til Kiev St. Sophia-katedralen fra den siste tredjedelen av det 11. århundre viser hippodromeforestillinger. I 1068 ble buffoons først nevnt i kronikkene.
Buffoonery Det eldste "teatret" var spillene til folkeskuespillere - buffoons. Buffoneri er et komplekst fenomen. Buffonene ble ansett som en slags trollmenn, men dette er feil, fordi buffoonene, som deltok i ritualene, ikke bare forbedret deres religiøse-magiske karakter, men tvert imot introduserte verdslig, sekulært innhold. Hvem som helst kunne lage en vits, det vil si synge, danse, spøke, spille sketsjer, spille musikkinstrumenter og spille, det vil si portrettere en slags person eller skapning. Men bare de hvis kunst skilte seg ut for sitt kunstnerskap, ble og ble kalt en dyktig bøffel.
buffoon - "musiker, piper, sniffler, whistler, sekkepiper, guslar; som handler med dette, og danser, sanger, vitser, triks; morsom mann, lomaka, gayer, narr; bugbear; komiker, skuespiller, etc."
Buffonger oppsto senest på midten av 1000-tallet, dette kan vi bedømme ut fra freskene til St. Sophia-katedralen i Kiev, 1037. Skinnmasker av bøffer fra 1100-1300-tallet er kjent fra arkeologiske funn fra Novgorod og Vladimir.Buffoneriets storhetstid skjedde på 1400-1700-tallet. På 1700-tallet begynte bøllene gradvis å forsvinne under press fra tsaren og kirken, og etterlot noen tradisjoner for deres kunst som en arv til båser og distrikter. Buffoons opptrådte på gater og torg, kommuniserte konstant med publikum, og involverte dem i opptredenen deres.
"Baba Yaga går med krokodillen for å slåss på en gris med en stamper, og de har en flaske vin under en busk." Buffonger var bærere av syntetiske former for folkekunst som kombinerte sang, spille musikkinstrumenter, dans, bjørnemoro , dukketeater, forestillinger i masker, triks. Buffonger var faste deltakere i folkefester, spill, festligheter og forskjellige seremonier: bryllup, barseldåp, begravelser, etc. d.
På 1500- og 1600-tallet begynte buffoons å forene seg til "gjenger". Kirken og staten anklaget dem for å ha begått ran: «bøssene, som «dår opp i gjenger på mange opptil 60, opptil 70 og opptil 100 personer», i landsbyene til bøndene «spiser og drikker tungt og raner mager. fra bur og knuse folk langs veiene.» På den tiden På samme tid er det i det russiske folkets muntlige poesi ikke noe bilde av en bøllerøver som raner allmuen. I arbeidet til Adam Olearius, sekretær for den holsteinske ambassaden, som besøkte Muscovy tre ganger på 30-tallet av 1600-tallet, finner vi bevis på en bølge av generelle søk i husene til muskovittene for å identifisere "demoniske vitriolkar". ” - buffons musikkinstrumenter - og deres ødeleggelse.
I hjemmene deres, spesielt under høytidene, elsker russere musikk. Men siden de begynte å misbruke den, og sang alle slags skammelige sanger til musikk på tavernaer, tavernaer og overalt på gatene, forbød den nåværende patriarken for to år siden eksistensen av slike tavernamusikere og deres instrumenter, som ble funnet på gatene, og ga ordre om at de umiddelbart skulle knuses og ødelegges, og forbød da generelt russerne å bruke all slags instrumentalmusikk, og beordret at musikkinstrumenter skulle tas bort fra hus overalt, som ble tatt ut. . . på fem vogner over Moskva-elven og brant der. - Detaljert beskrivelse av turen til den holsteinske ambassaden til Muscovy. . . - M., 1870 - s. 344.
I 1648 og 1657 oppnådde erkebiskop Nikon kongelige resolusjoner om fullstendig forbud mot bøffer, som snakket om å slå bøffer og deres lyttere med batogs og ødelegge bøffelutstyr. Etter dette forsvant de "profesjonelle" bøllene, og ble over tid til safecrackere, dukkespillere, rettferdige underholdere og show-tilbud.
BALAGAN er en midlertidig trebygning for teater- og sirkusforestillinger, som har fått stor utbredelse på messer og folkefester. Ofte også et midlertidig lettbygg for handel på messer, for å ta imot arbeidere om sommeren. I overført betydning - handlinger, fenomener som ligner på en farseaktig forestilling (buffoonish, frekk).
Persille er kallenavnet til en farsedukke, en russisk narr, en jokester, en vidd i en rød kaftan og en rød lue. Persille har vært kjent siden 1600-tallet. Russiske dukkeførere brukte marionetter (strengdukketeater) og persille (hanskedukker). Fram til 1800-tallet Preferanse ble gitt til Petrushka, og ved slutten av århundret - til dukker, siden persilleprodusenter forenet seg med orgelkverner. Persilleskjermen besto av tre rammer, festet med stifter og dekket med chintz. Den ble plassert direkte på bakken og gjemte dukkeføreren. Tønneorgelet samlet tilskuere, og bak skjermen begynte skuespilleren å kommunisere med publikum gjennom et pip (fløyte). Senere, med latter og reprise, løp han ut selv, i rød lue og lang nese. Orgelkvernen ble noen ganger Petrusjkas partner: på grunn av knirkingen var ikke talen alltid forståelig, og han gjentok Petrusjkas fraser og førte en dialog. Komedien med Petrusjka ble spilt ut på messer og stander. Fra noen memoarer og dagbøker fra 1840-årene følger det at Petrusjka hadde fullt navn- de kalte ham Pyotr Ivanovich Uksusov eller Vanka Ratatouille. Det var hovedplaner: Persillebehandling, soldattrening, scenen med bruden, kjøp av hest og testing. Historiene ble overført fra skuespiller til skuespiller, muntlig. Ikke en eneste karakter i det russiske teateret hadde samme popularitet som Petrusjka.
Vanligvis begynte forestillingen med følgende handling: Petrushka bestemte seg for å kjøpe en hest, ringer musikeren sigøynerhestehandleren. Petrusjka undersøkte hesten lenge og forhandlet lenge med sigøyneren. Så ble Petrusjka lei av forhandlingene, og i stedet for penger slo han sigøyneren lenge på ryggen, hvorpå han stakk av. Petrushka prøvde å sette seg opp på hesten, men det kastet ham av seg til tilskuerne. Dette kunne fortsette til folk lo av det. Til slutt løp hesten bort og lot Petrusjka ligge død. Legen kom og spurte Petrusjka om sykdommene hans. Det viste seg at alt såret ham. Det var en kamp mellom doktoren og Petrusjka, på slutten som Petrusjka slo fienden hardt i hodet med en kølle. «Hva slags lege er du,» ropte Petrusjka, «hvis du spør hvor det gjør vondt? Hvorfor studerte du? Du burde selv vite hvor det gjør vondt!» Politimannen dukket opp. – «Hvorfor drepte du legen? "Han svarte: "Fordi han ikke kjenner vitenskapen sin godt." Etter avhøret slår Petrushka politimannen i hodet med en kølle og dreper ham.
En knurrende hund kom løpende. Petrushka ba uten hell publikum og musikeren om hjelp, hvoretter han flørte med hunden og lovet å mate den med kattekjøtt. Hunden tok ham i nesen og dro ham bort, og Petrusjka ropte: "Å, det lille hodet mitt med lue og børste er forsvunnet!" Musikken stoppet, noe som betydde slutten på forestillingen. Hvis publikum likte det, lot de ikke skuespillerne gå, applauderte, kastet penger og krevde en fortsettelse. Så spilte de en liten scene av Petrusjkins bryllup. En brud ble brakt til Persille, han undersøkte henne slik en hest undersøkes. Han likte bruden, han ønsket ikke å vente på bryllupet og begynte å be henne om å "ofre seg selv." Fra scenen der bruden «ofrer seg», dro kvinnene og tok barna med seg. I følge noen rapporter var en annen sketsj der en prest var til stede en stor suksess. Det var ikke inkludert i noen av de innspilte tekstene; mest sannsynlig ble det fjernet ved sensur.
BALAGAN Ikke en eneste messe på 1700-tallet var komplett uten stand. Teaterbåsene ble den tidens favorittskuespill, det var en scene og et gardin inni, og vanlige tilskuere satt på benker. Senere dukket det opp et ekte auditorium med boder, bokser og en orkestergrav i båsene. Vi har alltid sett frem til en slik messe.
Nativity scene er en folkejuleforestilling fremført i en spesiell boks med stangdukker, akkompagnert av sang og dialoger. I vid forstand kan et fødselsskuespill kalles en hvilken som helst julehandling om massakren på spedbarnene eller fødselen, utført av både dukker og mennesker. Fødselsspillet må nødvendigvis ledsages av sang av forskjellige religiøse kanter, noe som skiller det fra det sekulære folkedramaet til levende skuespillere, som også kunne vises i julen. I vid forstand er julekrybben en del av julesangkomplekset til folkejuletid og er nesten alltid assosiert med ulike former for julesang: vandring av mummere med en "stjerne" (i form av en flerfarget lykt på en stang ) eller en krybbe med babyen; lese juledikt av skolebarn, synge åndelige dikt for å motta en belønning osv. Krybbespillet har fått navnet sitt fra julekrybben - et dukketeater i form av en to-etasjers trekasse, hvis arkitektur ligner en scene for å utføre middelalderske mysterier.
Strukturen til julekrybben er veldig interessant. Bokshuset, pittoresk dekorert på innsiden, har spesielle spor for å kjøre dukker. Dukker har ikke lov til å flytte fra en etasje til en annen. I det øvre nivået ble scener relatert til den hellige familie spilt ut, og den nedre avbildet palasset til kong Herodes. I samme del ble det i senere tider vist satiriske sketsjer og komedier. Julekrybben er imidlertid ikke bare en magisk boks, den er en liten modell av universet: den øvre verden (øvre etasje), den nedre verden (nedre etasje), og helvete - hullet der Herodes faller gjennom. Om vinteren ble julekrybben båret på slede, båret fra hytte til hytte, og forestillinger ble vist på vertshus. Benker ble plassert rundt julekrybben, lys ble tent og eventyret begynte. Den klassiske "troppen" i fødselsscenen er Guds mor, Josef, engelen, hyrden, de tre maguskongene, Herodes, Rakel, soldaten, djevelen, døden og seksmannen, hvis plikt var å tenne lysene i julekrybben før forestillingen. Hver dukke var festet til en nål, som dukkeføreren kunne gripe nedenfra, som et håndtak, og flytte den langs spesielle spor i scenegulvet.
Juledramaet ble vist ikke bare i sekulære hus, men også i prestehus. Og på slutten av 1700-tallet hadde det dannet seg et dynasti av julekrybbeutøvere i St. Petersburg - Kolosov-familien, som i nesten et helt århundre holdt på tradisjonene med å fremføre forestillinger. Julekrybbenes storhetstid kom på 1800-tallet, da de ble populære ikke bare i det sentrale Russland, men også i Sibir. Helt frem til slutten av århundret vandret julekrybben gjennom byer og landsbyer, og opplevde samtidig «sekularisering» og gikk fra et dukkedrama med bibelsk handling til en sekulær folkeforestilling. Julekrybben begynte å bestå av to deler: et julemysterium og en munter musikalsk komedie med lokalt preg. Men mot slutten av århundret viste farsescenene som ble spilt i underetasjen seg å være mer betydningsfulle enn hendelsene i "øvre nivå". Julekrybben begynte å bære den fantastiske esken til messer, ikke bare ved juletider, men de gikk med den helt opp til Maslenitsa. Det er kjent at noen artister til og med dro med julekrybbe til Nizhny Novgorod-messen, som åpnet... 15. juli! Oktoberrevolusjonen i 1917 og den antireligiøse kampanjen som fulgte den avgjorde skjebnen til juleforestillinger. De var, i likhet med det tradisjonelle juletreet, strengt forbudt.
Rayok er et folketeater som består av en liten boks med to forstørrelsesglass foran. Inne i den er bilder omarrangert eller en papirstripe med hjemmelagde bilder av forskjellige byer, flotte mennesker og begivenheter spoles tilbake fra en skøytebane til en annen. Rayok er en type forestilling som hovedsakelig er utbredt i Russland på 1700- og 1800-tallet. Den har fått navnet sitt fra innholdet i bilder om bibelske og evangeliske temaer (Adam og Eva i paradis, etc.). Rayoshnik flytter bilder og forteller ordtak og vitser for hvert nytt plot. Disse bildene ble ofte laget i populær trykkstil, hadde i utgangspunktet et religiøst innhold - derav navnet "rayok", og begynte deretter å reflektere et bredt spekter av emner, inkludert politiske[ . Rettferdig handel ble praktisert mye.
Utseendet til raeshnik selv var lik utseendet til karusellbestefedrene, det vil si at klærne hans tiltrakk seg publikum: han hadde på seg en grå kaftan trimmet med rød eller gul flette med bunter med fargede filler på skuldrene, en kolomenka-hatt, også dekorert med lyse filler. Han har bastsko på føttene, og et linskjegg er bundet til haken.» [Rajka-boksen var vanligvis fargerikt malt og dekorert. Ropet fra raeshnik var like fargerikt som utseendet hans, rettet til alle: «Kom og skrible her med meg, ærlige mennesker, gutter og jenter, og unge kvinner, og handelskvinner, og funksjonærer, og sextoner, og kontorrotter, og feirer ledig, jeg skal vise dere alle slags bilder, og herrer, og menn i saueskinn, og dere lytter til vitser og forskjellige vitser med oppmerksomhet, spiser epler, gnager nøtter, ser på bilder og tar vare på lommene deres. De vil lure deg!" Den himmelske forestillingen inkluderte tre typer innflytelse på publikum: bilde, ord, spill. For eksempel, etter å ha installert det neste bildet, forklarte raeshnik først "hva dette betyr": "Og dette, hvis du vil, se og se, se og se, Lexandrovsky Garden." Og mens de som sto ved vinduene så på bildet av hagen, moret han de rundt ham som ikke var opptatt av å se på folk, og latterliggjorde moderne mote: «Der går jenter rundt i pels, i skjørt og filler, i hatter, grønne fôr; fisene er falske og hodene er skallet"
Disse bildene ble ofte laget i populær trykkstil. Og i utgangspunktet hadde de et religiøst innhold - derav navnet "paradis". Og først etter en stund begynte de å vise et bredt utvalg av emner, inkludert politiske.
Mest sannsynlig kom paradiset til St. Petersburg i 1820 fra Moskva, hvor byens underholdning ble holdt årlig. Riktignok vakte det nye opptoget ikke umiddelbart oppmerksomheten til tidsskrifter. Det var først i 1834 at «Northern Bee» første gang nevnte «paradisene hvor du for en krone kan se Adam og hans familie, en flom og begravelsen av en katt».
Lubo k (populært bilde, populært ark, morsomt ark, enkel bok) - en type grafikk, et bilde med en bildetekst, preget av enkelheten og tilgjengeligheten til bildene. Opprinnelig en type folkekunst. Den ble laget ved hjelp av teknikkene tresnitt, kobberstikk, litografier og ble supplert med håndskjæring. Populære utskrifter er preget av enkel teknikk og lakonisme av grafiske midler (grove strøk, lyse farger). Ofte inneholder det populære trykket en detaljert fortelling med forklarende inskripsjoner og ekstra (forklarende, komplementære) bilder til hovedbildet. I Russland på 1500-tallet - begynnelsen av 1600-tallet ble det solgt trykk som ble kalt "Fryazhskie-ark" eller "tyske morsomme ark" [I Russland ble tegninger trykket på spesialsagede brett. Platene ble kalt lube (der dekket kommer fra). Tegninger, tegninger og planer har blitt skrevet på luba siden 1400-tallet. På 1600-tallet ble malte bastkasser utbredt. Senere ble papirbilder kalt lubok, lubokbilde. På slutten av 1600-tallet ble et Fryazhsky-trykkeri installert i det øvre (domstolen) trykkeriet for å trykke Fryazhian-ark. I 1680 skar mester Afanasy Zverev "alle slags fryazhiske stiklinger" på kobberplater for tsaren. Tyske morsomme ark ble solgt i Vegetable Row, og senere på Spassky Bridge. På slutten av 1800-tallet ble lubok gjenopplivet i form av tegneserier
Tematisk begynte St. Petersburg og Moskva populære utskrifter å avvike merkbart. De som ble laget i St. Petersburg lignet offisielle trykk, mens de i Moskva var hånende og noen ganger lite anstendige skildringer av eventyrene til dumme helter (Savoska, Paramoshka, Thomas og Erem), favorittfolkefestivaler og fornøyelser (Bear with a Goat, Daring Fellows - Glorious Fighters, Bear Hunter knivstikking, Harejakt). Slike bilder underholdt heller enn oppbygget eller lærte seeren. En rekke temaer av russiske populære utskrifter fra 1700-tallet. fortsatte å vokse. Et evangelisk tema ble lagt til dem (for eksempel lignelsen om fortapte sønn) samtidig prøvde kirkemyndighetene å ikke la utgivelsen av slike ark komme utenfor deres kontroll. I 1744 utstedte Den hellige synode en instruks om nødvendigheten av å nøye sjekke all lubok med religiøst innhold.På samme tid, i Moskva, som Peter fratok tittelen kapital, begynte anti-regjeringslubok å spre seg. Blant dem er bilder av en frekk katt med en enorm bart, som i utseende ligner på tsar Peter, Chukhon Baba Yaga - en hentydning til innfødte Chukhonia (Livonia eller Estland) Catherine I. Handling Shemyakin-domstolen kritiserte rettspraksis og byråkrati . Dermed markerte det populære satiriske folketrykket begynnelsen på russisk politisk karikatur og visuell satire.
TYPER LUBKOV: Åndelig og religiøs - i bysantinsk stil. Bilder av ikontype. Helgenliv, lignelser, moralske læresetninger, sanger osv. Filosofisk. Juridisk - skildringer av rettssaker og rettslige handlinger. Følgende emner ble ofte møtt: "The Shemyakin Court" og "The Tale of Ersha Ershovich". Historisk - "Rørende historier" fra kronikker. Bilde av historiske hendelser, kamper, byer. Topografiske kart. Eventyr - magiske historier, heltefortellinger, "Tales of Daring People", hverdagslige historier. Helligdager - bilder av helgener. Kavaleri - populære utskrifter med bilder av ryttere. Joker - morsomme populære utskrifter, satirer, karikaturer, vitser.
"...Musestammen led mye av problemer fra den forræderske katten. Og da det så ut for musene at katten lå død, bestemte de seg for å gi fienden en fantastisk begravelse og en ferie for seg selv. Musene satte katten på en slede, men bandt labbene hans for sikkerhets skyld. Mange mus spennet seg til sleden, mens andre begynte å presse fra alle kanter. Og musene tok katten for å begrave den. Her, midt under den høytidelige seremonien, våknet pretendenten til liv, brakk lett musens lenker og kastet seg over fiendene sine. Museløpet led mange tap da.»
Driving a Bear and Mummers En verdig plass i folketeaterkunsten er okkupert av alles favorittshow med bjørner - "Bear Fun". Guider streifet rundt på veiene i Russland i mange århundrer og var hyppige gjester på beskjedne landsbyferier og bymesser. De aller første guidene til bjørnen var mest sannsynlig "muntre mennesker" - buffoons. Utseendet til en bjørn var alltid ledsaget av glede, beundring og respekt. I følge hedensk tro er bjørnen en slektning eller til og med menneskets stamfar. De mente at det hellige dyret hadde en direkte forbindelse med fruktbarhet, helse, forplantning og velvære. Kunsten å guide besto ikke bare av god trening av dyret, men også evnen til å fylle alle bevegelsene til bjørnen med innhold og en viss mening. De morsomste øyeblikkene oppsto fra den uventede tolkningen av bearish gester, dristige sammenstillinger av mennesker, og derfor ble resultatet enten god humor eller til og med ond satire. I «Bear Fun» spilte en bjørn rollen som en person, og en utkledd person spilte for eksempel en geit. Mummers spill bør klassifiseres som mummers – en spesiell form for folkekultur. Og selv om de inneholder dialog, er de monologer. Og selv om spillet har et plot, er det ikke teater, fordi spillet ikke innebærer en tilskuer. Den har ingen egen dialog, noe som gjør teksten dramatisk. Mummers spill er et rituelt spill.
KIRKETEATER Kirken tok alle tiltak for å hevde sin innflytelse. Dette kom til uttrykk i utviklingen av liturgisk drama. Noen liturgiske dramaer kom til oss sammen med kristendommen, andre - på 1400-tallet, sammen med det nylig vedtatte høytidelige charteret om "den store kirken" ("Prosession on the Donkey", "Washing of the Feet"). Til tross for bruken av teater- og underholdningsformer, skapte ikke den russiske kirken sitt eget teater.
"Prosesjonen (gå) på et esel" fant sted på palmesøndag (en uke før påske). Etter gudstjenesten begynte den høytidelige klokkeringingen. I Moskva ble et esel eller en hvit hest under et hvitt teppe brakt til Kreml. Samtidig ble en krangel med eieren av eselet satt inn i den liturgiske teksten. Presteskapet gikk ut på plassen, storbyen (på 1600-tallet - patriarken) satt sidelengs i en spesiell sal og tok korset i sin høyre hånd og evangeliet i sin venstre. Eselet ble vanligvis ledet av hodelaget av tsaren selv eller hans nære boyar; kongen var i seremoniell antrekk, iført Monomakhs hatt. Under prosesjonen ble klær spredt langs Metropolitans sti og grønne pilegrener ble kastet. På 1620-1630-tallet ble dette gjort av spesielle mennesker - "postilniki". De tok av seg de røde kaftanene og la dem på bakken ved føttene til de marsjerende. Antall postilalniks nådde femti, og på slutten av 1600-tallet var det allerede opptil hundre mennesker. Hele prosesjonen som helhet ble også mer storslått og høytidelig. Metropolitan ble fulgt av prinsen, kledd i fulle hyller, etterfulgt av mange gutter; Folket tok opp baksiden av prosesjonen. Prosesjonen dro fra Kreml til St. Basil's Cathedral, hvor det ble holdt en kort gudstjeneste, og returnerte deretter til Kreml. Sist gang "Prosession on a Donkey" fant sted under tsarene Peter og Ivan Alekseevichs regjeringstid.
På den fjerde dagen etter prosesjonen, torsdag i den hellige uke, ble fotvaskingen utført. Dette liturgiske dramaet var en del av gudstjenesten tilbake på 1000-tallet, der storbyen sammen med prestene gjenoppførte scenen med nattverden. Prestene, tolv i tallet, steg opp til en hevet plattform som var spesielt bygget for disse anledningene midt i kirken, og satt seks på hver side av plattformen. Deretter kom en dramatisering av evangelieteksten: biskopen reiste seg, tok av seg klærne og helte vann i en kum som ble båret foran ham, vasket og tørket deretter prestenes føtter. Hver av prestene kysset hånden hans som et tegn på takknemlighet.
Men det mest dramatisk utviklede og mest teatralske av alle liturgiske dramaer var «The Cave Act», som var en dramatisering av den bibelske historien om de tre ungdommene: Ananias, Azarin og Misail. Den ble sendt 17. desember (før jul). I Rus ble "Cave Act" tilsynelatende utført tilbake på 1000-tallet. Men vi kjenner bare rangeringen til 1500-tallet, siden i den eldste listen over handlinger funnet i vårt land, har prins Vasily Ivanovich (1505 - 1533) eksistert i mange år. . To forskjellige utgaver av "The Cave Action" er bevart - fra 1500- og 1600-tallet. Hvis liturgiske dramaer vanligvis var begrenset til iscenesettelsen av evangelietekster og dialogene i dem, så var det i 1600-tallsutgaven flere innsatte dialogiske sjangerscener utført ikke på kirkeslavisk, men på det russiske dagligspråket. Påvirkningen av muntlig folkedrama er tydelig synlig i dem. Vi kan anta at disse dialogene ble ført av bøffer
På lørdag ble en struktur som viser en "ildovn" reist rett overfor de kongelige portene. Et bilde av en engel ble hengt på en krok fra en fjernet lysekrone, som ble hevet og senket ved hjelp av et tau som kom fra alteret og kastet over en blokk. Ovnen var delt i to deler av et gulv, som det førte trinn til på den ene siden. Det øvre laget inkluderte "babyer"; i den nederste, rett på kirkegulvet, ble det plassert en smie med glødende kull. Handlingen skildret historien om den mirakuløse frelsen til de tre ungdommene Ananias, Azariah og Misail fra den brennende ovnen
Til tross for bruken av teater- og underholdningsformer, skapte ikke den russiske kirken sitt eget teater. Opplevelsen av liturgiske dramaer gikk i det vesentlige uten spor for teatrets historie og ga noen resultater først fra det øyeblikket da massene begynte å demokratisere liturgisk drama, mette bildene med kjøtt, omgi dem med hverdagsliv og inkludere sjanger. komiske scener - mellomspill - i dramaer. Og selv om Simeon av Polotsk på 1600-tallet forsøkte å skape et kunstnerisk litterært drama på grunnlag av liturgisk drama, forble dette forsøket isolert og viste seg å være resultatløst. Simeon av Polotsk. Et figurativt dikt i form av et hjerte "Fra hjertets overflod taler munnen" fra syklusen "Hilsen" "for anledningen" - til ære for fødselen til Tsarevich Fyodor (1661).
Teater dukket virkelig opp på 1600-tallet - hoff- og skoleteater. Hofteater Fremveksten av hoffteateret var forårsaket av hoffadelens interesse for vestlig kultur. Dette teatret dukket opp i Moskva under tsar Alexei Mikhailovich. Den første fremføringen av stykket "The Act of Artaxerxes" (historien om den bibelske Ester) fant sted 17. oktober 1672. Forfatteren av stykket var pastor i den lutherske kirke i den tyske bosetningen, mester Johann Gottfried Gregory. Stykket ble skrevet på vers på tysk, deretter oversatte oversetterne av Ambassadorial Prikaz det til russisk, og etter det lærte de utenlandske skuespillerne, elever ved Gregorys skole, rollene på russisk.
Forskere av repertoaret til det russiske hoffteateret har lagt merke til mangfoldet. Behandlinger av bibelske historier dominerte: «Judith» («Holofernes handling») – om den bibelske heltinnen, ved hvis hender den hedenske Holofernes, lederen av hæren som beleiret hjembyen Judith, døde; "Piteous komedie om Adam og Eva", "Liten kul komedie om Josef", "Komedie om David og Goliat", "Komedie om Tobias den yngre". Sammen med dem var det historiske ("Temir-Aksakov-handling" - om Tamerlane, som beseiret Sultan Bayazet), hagiografiske (skuespillet om Yegori den modige) og til og med eldgamle mytologiske (skuespillet om Bacchus og Venus og balletten "Orpheus" ) produksjoner. Sistnevnte tilfelle bør diskuteres nærmere. «Orpheus» er en ballett som ble satt opp på hoffteateret til tsar Alexei Mikhailovich i 1673. Forestillingen ble laget på grunnlag av den tyske balletten «Orpheus and Eurydice», fremført i 1638 i Dresden med ord av August Büchner og musikk av Heinrich Schütz . Sannsynligvis var musikken annerledes i den russiske produksjonen. Teksten til det russiske skuespillet har ikke overlevd. Produksjonen er kjent fra arbeidet til Kurlanderen Jacob Reitenfels, som besøkte Moskva i 1671-1673. og som publiserte i 1680 i Padua boken "On the Affairs of the Muscovites" ("De rebus Moscoviticus"). I den tyske produksjonen sang et kor av gjetere og nymfer hilsener til prinsen og hans kone. I Moskva-balletten sang Orfeus selv hilsenen til tsaren før han startet dansen. Reitenfels siterer tyske dikt som ble oversatt til tsaren. Iscenesettelsen av den musikalske forestillingen var en spesielt bemerkelsesverdig begivenhet for det russiske teateret, fordi tsar Alexei Mikhailovich ikke likte sekulær musikk og først motsto dens introduksjon i forestillinger. Men til slutt måtte han innrømme behovet for musikk i teater.
Til å begynne med hadde ikke hoffteateret egne lokaler, kulisser og kostymer ble flyttet fra sted til sted. De første forestillingene ble iscenesatt av pastor Gregory fra den tyske bosetningen; skuespillerne var også utlendinger. Senere begynte de å tvangsrekruttere og trene russiske "ungdom". De ble betalt uregelmessig, men de sparte ikke på dekorasjoner og kostymer. Forestillingene ble preget av stor pomp, noen ganger akkompagnert av å spille musikkinstrumenter og danse. Etter tsar Alexei Mikhailovichs død ble hoffteatret stengt, og forestillingene ble gjenopptatt bare under Peter
Begynnelsen på det russiske skoleteateret er assosiert med navnet Simeon av Polotsk, skaperen av to skoledramaer ("Komedien til kongen Nebukadnesar" og "Komedien om lignelsen om den fortapte sønn"). Den mest kjente er sistnevnte, som er en scenetolkning av den berømte evangelielignelsen og er dedikert til problemet med en ung mann (dvs. den nye generasjonen) som velger sin vei i livet. Dette emnet var ekstremt populært, man kan til og med si at det dominerte litteraturen i andre halvdel av århundret. Innholdet i dramaet er ganske tradisjonelt og er en gjenfortelling av hendelsene i evangeliets lignelse, supplert med konkrete hverdagsdetaljer. Stykkets oppgave - i likhet med Simeons diktsamlinger - er å kombinere instruksjon med underholdning, som er direkte uttalt av Prologen før handlingens start: Så vær så snill, vis barmhjertighet, bøy øyne og ører til handlingen: Dermed , for søthet vil bli funnet, ikke bare hjerter, men sjeler vil bli frelst.
Skoleteater I tillegg til hoffteateret utviklet det seg i Russland på 1600-tallet også et skoleteater ved det slavisk-gresk-latinske akademiet, i teologiske seminarer og skoler i Lvov, Tiflis og Kiev. Skuespill ble skrevet av lærere, og elevene iscenesatte historiske tragedier, allegoriske dramaer nær europeiske mirakler, mellomspill – satiriske hverdagsscener. Fremveksten av skoleteater i Rus er assosiert med utviklingen av skoleundervisning. I Russland ble skoleteater brukt av ortodoksien i kampen mot romersk-katolsk innflytelse. En munk, en student av Kiev, bidro til oppstarten. Mogila Academy, utdannet mann, politisk skikkelse, pedagog og poet Simeon av Polotsk. I 1664 kom han til Moskva og ble lærer for de kongelige barna ved hoffet. I samlingen av verkene hans "Rhythmologion" ble det publisert to skuespill - "Komedien om kong Novhudonosor, om gullkroppen og om de tre ungdommene som ikke ble brent i hulen" og komedien "Lagnelsen om den fortapte sønn".
Teater på begynnelsen av 1700-tallet Etter ordre fra Peter I ble det offentlige teateret opprettet i 1702, designet for massepublikum. En bygning ble bygget spesielt for ham på Røde plass i Moskva - "Comedial Temple". Den tyske troppen til J. H. Kunst holdt opptredener der. Repertoaret inkluderte utenlandske skuespill som ikke var vellykket blant publikum, og teatret opphørte å eksistere i 1706, da subsidier fra Peter I opphørte.
"Comedial Temple" er en teaterbygning bygget i Moskva i 1702 på Røde plass rett overfor Nikolsky-porten i Kreml. Teaterlokalene ble bygget etter ordre fra tsar Peter I for det offentlige statsteateret. Det nye teatret var betydelig forskjellig fra det som eksisterte under tsar Alexei Mikhailovichs tid. Det var offentlig, det vil si ikke ment for hoffmannen, men for byseeren. Peter I la stor vekt på dette teateret. Ideen til Peter I møtte selvfølgelig motstand blant tilhengere av den gamle livsstilen - de likte heller ikke det faktum at teatret lå i sentrum av den gamle russiske hovedstaden. (I henhold til den opprinnelige planen skulle teatret ligge inne i Kreml.) Ved slutten av 1702 var Komedietempelet klart.
Comedy Temple-troppen besto av tyske skuespillere, og ble ledet av gründeren Kunst. Forestillingene var i gang tysk. Men kort før åpningen av Kunstteateret ble ti "russiske gutter" sendt for å studere. Kunst skulle lære dem det grunnleggende om skuespill, noe som ville tillate dem å fremføre forestillinger på russisk i fremtiden. "Komedietempelet" kunne romme opptil 400 tilskuere. Forestillinger ble gitt to ganger i uken: mandager og torsdager. Billettprisene var 10, 6, 5 og 3 kopek. For å gjøre det lettere for tilskuerne og for å øke teatrets honorarer, ble det utstedt et dekret som fritok teaterbesøkende fra å betale skatt som ble samlet inn ved "byportene" fra personer som gikk rundt i byen om natten. Men til tross for alle slags arrangementer, var ikke publikum særlig villig til å gå på teater. Noen ganger var ikke mer enn tjuefem personer til stede på forestillingene. Årsaken til så lav popularitet til det nye skuespillet var selvfølgelig dens utenlandske tropp og utenlandsk dramaturgi, fremføringen av mange forestillinger på tysk. Teateret var avskåret fra det russiske livet. I 1706 ble Moskva-teatret "Comedial Temple" stengt, skuespillerne ble avskjediget, kostymer og kulisser ble fraktet i 1709 til palasset til Peter I's søster Natalya Alekseevna, som hadde et hoffteater. I 1707 begynte bygningen til «Comedial Temple» å bli demontert, og i 1735 ble den endelig revet.
Det er merkelig at fødestedet til russisk teater verken er Moskva eller St. Petersburg. Det russiske teatret dukket ikke opp i hovedstaden, men i den gamle russiske byen Yaroslavl. Det var her i 1750 den russiske skuespilleren Fjodor Grigorievitsj Volkov grunnla Russlands første profesjonelle teatertrupp.
I Moskva, hvor gutten ble sendt for trening, ble Volkov dypt og for alltid interessert i teater. Han tok bokstavelig talt fyr med sin nye hobby og studerte kunst og scenekunst i flere år. Da han kom tilbake i 1748 til Yaroslavl, hvor familien bodde, organiserte Volkov en teatertrupp og begynte å gi forestillinger i en steinlåve. Den første forestillingen fant sted 29. juni 1750, det var dramaet «Esther». To år senere ble Volkov og hans kamerater, etter ordre fra keiserinne Elizabeth Petrovna, innkalt til St. Petersburg. Og i 1756 fant hovedbegivenheten i Russlands teaterliv på 1700-tallet sted - etableringen av "det russiske teateret for presentasjon av tragedier og komedier", det første statlige profesjonelle teatret.
Fjodor Volkov ble umiddelbart utnevnt til "den første russiske skuespilleren", og Alexander Sumarokov ble utnevnt til direktør for teatret; først etter hans død, i 1761, ble Volkov direktør for "hans" teater. Av denne grunn nektet Fjodor Grigorievich stillingen som statsråd. Totalt skrev Fjodor Volkov omtrent 15 skuespill, hvorav ingen har overlevd til i dag; han var også forfatteren av mange høytidelige odder og sanger. I dag er Volkovsky-teatret et av de mest kjente og største russiske teatrene uten hovedstad.
Mål og mål med arbeidet: Mål: Systematisering, akkumulering og konsolidering av kunnskap om det russiske teateret på 1700-tallet. Mål: Gjennomgå historien til russisk teater; Beskriv historien til skole- og hoffteatre på 1600- og 1700-tallet; Oppsummer hovedresultatene av abstraktet.
HISTORIE OM DET RUSSISKE TEATER Russisk teater oppsto i antikken. Dens opprinnelse går tilbake til folkekunst - ritualer, ferier knyttet til arbeid. Over tid mistet ritualene sin magiske betydning og ble til spill. Elementer av teater ble født i dem - dramatisk handling, skuespill, dialog. I prosessen med utviklingen deres differensierte spillene seg, brøt opp i relaterte og samtidig varianter som i økende grad beveget seg bort fra hverandre - til dramaer, ritualer, spill.
Buffoneri For første gang i 1068 ble buffooner nevnt i kronikkene. Skomorokhs - russiske middelalderskuespillere, samtidig sangere, dansere, dyretrenere, musikere og forfattere av de fleste verbale, musikalske og dramatiske verkene de fremførte. Kirkens lære fra 1000- til 1100-tallet erklærer synden ved å kle seg ut, som buffoons tyr til. Forfølgelse av bøffer i årene med tatarisk åk. Hedensk forfølgelse og forsvinning av bøller (tsarens dekreter fra 1648, 1649, etc.).
Teatre fra 1600-tallet Teater i ordets rette betydning dukket opp i Rus' på 1600-tallet som en rettsfunksjon under tsar Alexei Mikhailovich. Den umiddelbare lederen var pastor I. G. Gregory. Den første forestillingen ("Artaxerxes' handling") fant sted 17. oktober (27.10.), 1672 i landsbyen Preobrazhenskoye nær Moskva. Etter tsar Alexei Mikhailovichs død (1676), stoppet forestillingene. I tillegg til hoffteateret utviklet det seg også skoleteater i Russland på 1600-tallet. Sideshow på skoleteater la grunnlaget for komediesjangeren i nasjonalt drama. Opprinnelsen til skoleteateret var den berømte politiske skikkelsen og dramatikeren Simeon Polotsky.
Teater på 1700-tallet Teater under Peter I Ved midten av 1700-tallet hadde teatret allerede kommet godt inn i livet til det russiske samfunnet, og ikke bare til dets aristokratiske eller kirkelige elite, men også til de sosiale lavere klassene. Det første offentlige teateret (Comedial Temple) i regi av I. Kunst Repertoaret er variert, de generelle trekkene i stykkene er et ekstremt komplisert kjærlighetsforhold, en haug med gru, drap og alle slags melodramatiske effekter. Under Peter fortsatte to hovedtyper teater å utvikle seg: skole og sekulær (domstol); På denne tiden begynte det også å dukke opp skuespill fra byens dramateater, som utviklet seg mye i andre kvartal av 1700-tallet. Russisk teater var hovedsakelig representert av skoleteater. De estetiske stiene, som på dette tidspunktet hadde avviket kraftig fra tradisjonene til Simeon fra Polotsk.
Teatre under Elizabeth Petrovna og Catherine II Under Elizabeth Petrovnas regjeringstid blomstret teatervirksomheten 30. august 1756 - Alexandrinsky Theatre ble etablert i 1757, de første skuespillerinnene, før det ble kvinnelige roller utført av menn. Ved tiltredelsen av Katarina II til tronen var det tre hofftrupper i St. Petersburg: italiensk opera, ballett og russisk drama; I 1783 ble det først etablert «prøver» (debuter) for kunstnere. De begynte å gi betalte forestillinger for publikum i byteatre. Den første sosiopolitiske komedien i det russiske dramaets historie var Denis Ivanovich Fonvizins skuespill "The Minor"
Denis Ivanovich Fonvizin () Grunnlegger av russisk drama
Hans arbeid uttrykte en protest mot livegenskap og sosiale laster som hindret utviklingen av landet og nasjonal kultur "Brigadier" - Fonvizins første originale skuespill (slutten av 60-tallet) ble satt opp i 1780 på St. Petersburg Theatre på Tsaritsyn Meadow.
For første gang i litteratur og drama skapte Fonvizin et pålitelig bilde av russisk liv, fylt med detaljene i hverdagen som han la merke til i virkeligheten. Den 24. september 1782 ble «The Minor» satt opp i St. Petersburg.Den 14. mai 1783 fant premieren på «The Minor» sted i Moskva. Hoffkretser og en del av adelen var fiendtlige.
Dmitrievsky Ivan Afanasyevich () fremragende russisk skuespiller
Dmitrievsky spilte en stor rolle i utviklingen av russisk teater. Han opprettet en sceneskole for russisk teaterskuespill, som bestemte bevegelsen til russisk teater. Dmitrievskys student var den berømte russiske tragiske skuespilleren Alexei Yakovlev. Dmitrievsky var den første i det russiske teateret som studerte kunsten å regissere. Tildelt retten til å bli kalt den første skuespilleren til det russiske teateret. Spesielt for Dmitrievsky skrev Fonvizin rollen som Starodum i den berømte komedien "The Minor."
KONKLUSJON Det russiske teaterets storhetstid på 1700-tallet var andre halvdel av århundret. De mest fremragende verkene var komedier av D.I. Fonvizin "Undergrown" og "Brigadier". Opprettelsen av "Theater Directory" og statlig økonomisk støtte førte til at russisk teater ble mer tilgjengelig for befolkningen, og forestillingene ble mer fargerike.
Lysbilde 1
Fra runddans til stand Kommunal utdanningsinstitusjon Videregående skole nr. 8, landsbyen Severomorsk - 3, Murmansk-regionenLysbilde 2
Lysbilde 3
I gamle dager var runddans et populært folkespill i Rus. Det reflekterte en rekke livsfenomener. Det var runddanser for kjærlighet, militær, familie, jobb... Vi kjenner tre typer runddans:
Lysbilde 4
I runddansspill ble kor og dramatiske prinsipper organisk slått sammen. Slike spill begynte vanligvis med "sammensatte" sanger og endte med "sammenleggbare" sanger, og sangene ble preget av en klar rytme. Deretter, med endringer i strukturen til klansamfunnet, endret også runddanselekene seg. Forsangere (lysmenn) og utøvere (skuespillere) dukket opp. Det var vanligvis ikke mer enn tre skuespillere. Mens koret sang sangen, spilte de ut innholdet. Det er en oppfatning at det var disse skuespillerne som ble grunnleggerne av de første buffoonene.
Lysbilde 5
Russisk dans er en integrert del av folkespill og feiringer. Hun var alltid knyttet til sangen. Det var denne kombinasjonen som var et av folketeaterets viktigste uttrykksmidler. Siden eldgamle tider har russisk folkedans vært basert på dristig fra konkurrerende partnere, på den ene siden, og enhet, jevne bevegelser, på den andre.
Lysbilde 6
Russisk dans ble født fra hedenske ritualer. Etter 1000-tallet, med fremkomsten av profesjonelle bølleskuespillere, endret også dansens natur. Bøffene hadde en utviklet danseteknikk; Varianter av buffoon-dansere oppsto. Det var bøffeldansere som ikke bare danset, men også utførte pantomimeforestillinger ved hjelp av dans, som oftest var improvisert i naturen. Dansere dukket opp, vanligvis var de koner til buffoons. Russisk dans
Lysbilde 7
Dans inntok en stor plass i ulike former for teater. Han var en del av ikke bare spill og feiringer, men også forestillinger av dukketeateret Petrushka, og fylte ofte pausen mellom aktene i skoledramaet. Mange tradisjoner for russisk dans har overlevd til i dag.
Lysbilde 8
Guider med bjørn har vært nevnt i kilder siden 1500-tallet, selv om det er mulig at de dukket opp mye tidligere. Den respektfulle holdningen til dette dyret oppsto i hedensk tid. Bjørnen er stamfaderen. Han er et symbol på helse, fruktbarhet, velstand, han er sterkere enn onde ånder.
Lysbilde 9
Blant buffoonene ble bjørnen ansett som familiens forsørger, dens fulle medlem. Slike artister ble kalt med fornavn og patronym: Mikhailo Potapych eller Matryona Ivanovna. I sine forestillinger skildret guider vanligvis livet til vanlige mennesker; mellomspill handlet om et bredt spekter av hverdagslige emner. Eieren spurte for eksempel: "Og hvordan, Misha, går små barn for å stjele erter?" - eller: "Hvordan vandrer kvinner sakte til mesterens arbeid?" - og udyret viste alt. På slutten av forestillingen utførte bjørnen flere memorerte bevegelser, og eieren kommenterte dem.
Lysbilde 10
"Bjørnekomedien" på 1800-tallet besto av tre hoveddeler: for det første dansen til en bjørn med en "geit" (geiten ble vanligvis fremstilt av en gutt som satte en pose på hodet hans; en pinne med et geitehode og horn ble stukket gjennom posen ovenfra; en tretunge ble festet til hodet, hvis blafring produserte en forferdelig lyd), så kom dyrets ytelse til vitsene til guiden, og deretter kampen med " geit» eller eier. De første beskrivelsene av slike komedier går tilbake til 1700-tallet. Dette fisket eksisterte lenge, helt til 30-tallet av forrige århundre.
Lysbilde 11
Siden antikken var det i mange europeiske land ved julen vanlig å installere en krybbe midt i kirken med figurer av Jomfru Maria, en baby, en hyrde, et esel og en okse. Gradvis vokste denne skikken til en slags teaterforestilling, som ved hjelp av dukker fortalte de berømte evangelielegendene om Jesu Kristi fødsel, tilbedelsen av magiene og den grusomme kong Herodes. Juleforestillingen var godt spredt i katolske land, spesielt i Polen, hvorfra den spredte seg til Ukraina, Hviterussland og deretter, i en litt modifisert form, til Villikorossiya.
Lysbilde 12
Da juleskikken gikk utover den katolske kirken, fikk den navnet fødselsscene (gammelslavisk og gammelrussisk - hule). Det var et dukketeater. Se for deg en boks delt inn i to etasjer. Boksen endte øverst med et tak, den åpne siden vendt mot publikum. Det er et klokketårn på taket. Et stearinlys ble plassert på den bak glasset, som brant under forestillingen, og ga handlingen en magisk, mystisk karakter. Dukker for fødselsleken var laget av tre eller filler og festet til en stang. Den nedre delen av stangen ble holdt av dukkeføreren, så dukkene beveget seg og til og med snudde seg. Dukkeføreren selv var gjemt bak boksen. I den øverste etasjen i hiet ble det spilt bibelske scener, i underetasjen - hverdagslige: hverdagslige, komiske, noen ganger sosiale. Og settet med dukker for underetasjen var det vanlige: menn, kvinner, djevler, sigøynere, gendarmer, og den enkle mannen viste seg alltid å være mer utspekulert og smartere enn gendarmen. Det var fra fødselsscenen Petrushka-teatret, så populært blant folket, ble født.
Lysbilde 13
Alle vil danse, men ikke som en tulle, sier det russiske ordtaket. Faktisk, mange mennesker kunne spille spill, men ikke alle kunne være en profesjonell buffoon. Folkets favoritt profesjonelle bøffel var dukketeaterskuespilleren, og den mest populære var komedien om Petrusjka. Persille er en favoritthelt for både bøllene som ga forestillingen og publikum. Han er en vågal våghals og en bølle som beholdt humor og optimisme i enhver situasjon. Han lurte alltid de rike og offentlige tjenestemenn, og som demonstrant nøt han støtte fra publikum.
Lysbilde 14
I en slik teaterforestilling opptrådte to helter samtidig (i henhold til antall hender til dukkeføreren): Persille og legen, Persille og politimannen. Handlingene var de vanligste: Petrusjka gifter seg eller kjøper en hest osv. Han deltok alltid i en konfliktsituasjon, og Petrusjkas represalier var ganske brutale, men offentligheten fordømte ham aldri for dette. På slutten av forestillingen ble Petrusjka ofte innhentet av «himmelsk straff». Det mest populære dukketeateret i Persille var på 1600-tallet.
Lysbilde 15
Siden slutten av 1700-tallet kunne man på messen ofte se en lyst kledd mann bære en dekorert boks (rayok) og rope høyt: «Kom hit med meg for å rable, ærlige mennesker, både gutter og jenter, og unge menn og kvinner og kjøpmenn og handelskvinner, og kontorister og vaktmestere, og kontorister og ledige festister. Jeg skal vise deg alle slags bilder: både herrer og menn i saueskinn, og du lytter til vitser og forskjellige vitser med oppmerksomhet, spiser epler, gnager nøtter, ser på bilder og tar vare på lommene dine. De vil lure deg.» Rayok
Lysbilde 16
Rajek kom til oss fra Europa og går tilbake til store panoramaer. Kunsthistoriker D. Rovinsky beskriver det i sin bok "Russian Folk Pictures" slik: "Stativet er en liten, arshin-høy boks i alle retninger med to forstørrelsesglass foran. På innsiden er en lang stripe med hjemmelagde bilder av forskjellige byer, flotte mennesker og begivenheter viklet tilbake fra en skøytebane til en annen. Tilskuerne, «en krone stykket», ser inn i glasset. Rayoshnik flytter bildene og forteller historier for hvert nytt nummer, ofte svært intrikate.»
Lysbilde 17
Raek var veldig populær blant folket. I den kunne man se et panorama av Konstantinopel og Napoleons død, kirken St. Peter i Roma og Adam med sin familie, helter, dverger og freaks. Dessuten viste raeshnik ikke bare bilder, men kommenterte hendelsene som er avbildet i dem, og kritiserte ofte myndighetene og den eksisterende ordenen, med et ord, og berørte de mest presserende problemene. Rayek eksisterte som en rettferdig underholdning til slutten av 1800-tallet.
Lysbilde 18
Ikke en eneste messe på 1700-tallet var komplett uten stand. Teaterboder ble den tidens favorittskue. De ble bygget rett på torget, og ved måten boden var innredet, kunne man umiddelbart forstå om eieren var rik eller fattig. Vanligvis ble de bygget av brett, taket var laget av lerret eller lin.
Lysbilde 19
Det var scene og gardin inni. Vanlige tilskuere satt på benker og spiste under forestillingen diverse søtsaker, boller og til og med kålsuppe. Senere dukket det opp et ekte auditorium med boder, bokser og en orkestergrav i båsene. Utsiden av bodene var dekorert med kranser, skilt, og når gassbelysning dukket opp, deretter med gasslamper. Troppen besto vanligvis av profesjonelle og omreisende skuespillere. De ga opptil fem forestillinger om dagen. I teaterboden kunne man se en harlekinade, magiske triks og sideshow. Her opptrådte sangere, dansere og rett og slett "outlandish" mennesker. Populær var mannen som drakk brennende væske, eller den "afrikanske kannibalen" som spiste duer. Kannibalen var vanligvis en kunstner smurt med tjære, og duen var et kosedyr med en pose tyttebær. Vanlige folk gledet seg naturligvis alltid til messen med sin teaterfarse.
Lysbilde 20
Det var også sirkusshow, skuespillerne deres var "kunstnere". Yu. Dmitriev siterer i boken "Circus in Russia" en melding om ankomsten av komikere fra Holland som "går på et tau, danser, hopper i luften, i trappene, uten å holde på noe, de spiller fiolin, og mens de går på trappene, danser de enormt.» de hopper høyt og gjør andre fantastiske ting.» I løpet av de lange årene av deres eksistens endret standene seg, og på slutten av 1800-tallet forsvant de nesten for alltid fra russisk teaters historie.
Lysbilde 21
1672 - forestillinger av hofftroppen til tsar Alexei Mikhailovich begynte Artamon Matveev beordrer "å fremføre en komedie", "og for den handlingen å arrangere en khoromina" Den 17. oktober fant den første forestillingen sted i landsbyen Preobrazhenskoye
Lysbilde 22
1702 - det første russiske offentlige teateret på Røde plass. Festlige prosesjoner, fyrverkeri, maskerader, forsamlinger blir populære.
Lysbilde 23
Slik så teatret ut i Yaroslavl i 1909. I 1911 ble han oppkalt etter Fjodor Volkov
MKOU "Torbeevskaya Basic School oppkalt etter A.I. Danilov"
Novoduginsky-distriktet, Smolensk-regionen
Historien om fremveksten av teater i Russland
Fullført av: grunnskolelærer
Smirnova A.A.
landsbyen Torbeevo
2016
Folkekunst Russisk teater oppsto i antikken i folkekunst. Dette var ritualer, høytider. Over tid mistet ritualer sin mening og ble til prestasjonsspill. De viste elementer av teater – dramatisk handling, mumling, dialog. Det eldste teatret var spill av folkeskuespillere - buffoons.
Buffonger
I 1068 ble buffoons først nevnt i kronikker. De faller sammen i tid med utseendet på veggene til Kiev-Sophia-katedralen av fresker som viser buffoon-forestillinger. Kronikermunken kaller bøllene djevlens tjenere, og kunstneren som malte katedralens vegger anså det for mulig å inkludere bildet deres i kirkedekorasjoner sammen med ikoner.
St. Sophia-katedralen i Kiev
Fresker på veggene til St. Sophia-katedralen
Hvem er bøllene?
Dette er definisjonen gitt av kompilatoren av den forklarende ordboken V.I. Dahl:
«En bøffel, en bølle, en musiker, en pipespiller, en vidunderspiller, en sekkepiper, en psalterist som lever av å danse med sanger, vitser og triks, en skuespiller, en komiker, en jokester, en safecracker, en klovn, en narr."
Persille
På 1600-tallet utviklet de første muntlige dramaene seg, enkle i handlingen, og reflekterte populære følelser. Dukkekomedien om Petrushka (han het først Vanka-Ratatouille) fortalte om eventyrene til en smart, lystig kar som ikke er redd for noe i verden .
Court Theatre
Planer om å lage et hoffteater dukket først opp med tsar Mikhail Fedorovich i 1643. Moskva-regjeringen prøvde å finne kunstnere som ville gå med på å gå inn i den kongelige tjenesten. I 1644 ankom en tropp komikere fra Strasbourg til Pskov. De bodde i Pskov i omtrent en måned, hvoretter de av ukjent grunn ble utvist fra Russland.
Tsar Mikhail Fedorovich Romanov
Tsarsky-teatret Det første kongelige teateret i Russland tilhørte tsar Alexei Mikhailovich og eksisterte fra 1672 til 1676. Begynnelsen er knyttet til navnet på bojaren Artamon Matveev. Artamon Sergeevich beordret pastoren i den tyske bosetningen, Johann Gottfried Gregory, som bodde i Moskva, til å begynne å rekruttere en skuespillertrupp.
Tsar Alexei Mikhailovich
Artamon Matveev
Pastoren rekrutterte 64 unge menn og tenåringsgutter og begynte å lære dem skuespillerferdigheter. Han komponerte et skuespill basert på en bibelsk historie. Den ble skrevet på tysk, men forestillingen ble fremført på russisk. Den 17. oktober 1672 fant åpningen av det etterlengtede teateret i tsarens residens nær Moskva og den første teaterforestillingen sted.
Morsomt kammer
Tsarens teater som bygning ble kalt fornøyelseskammeret.
Skoleteater
På 1600-tallet dukket det opp et skoleteater i Russland ved det slavisk-gresk-latinske akademiet. Skuespillene ble skrevet av lærere, og elevene iscenesatte historiske tragedier, dramaer og satiriske hverdagsscener. Satiriske sketsjer fra skoleteateret la grunnlaget for komediesjangeren i nasjonal dramatikk. Opprinnelsen til skoleteateret var den berømte politiske skikkelsen og dramatikeren Simeon Polotsky.
Simeon av Polotsk
Festningsteatre
Og på slutten av 1600-tallet dukket de første livegne-teatrene opp. Serf-teatre bidro til at kvinner dukket opp på scenen. Blant de fremragende russiske livegne skuespillerinnene er en som strålte i Sheremetev Counts Theatre Praskovya Zhemchugova-Kovalyova. Repertoaret til livegneteatre besto av verk av europeiske forfattere, først og fremst franske og italienske.
Grev Sheremetev
Praskovya Zhemchugova-Kovalyova
Festningsteateret til grev Sheremetev
Hjemmekinobygg
Sheremetevs
Skuespillernes kostymer
Teaterlokaler
Når dukket teatret opp i byen Smolensk?
1) i 1708
2) i 1780
3) i 1870
4) i 1807
I 1780 å ankomme Katarina II ledsaget av Keiser Josef II , guvernøren i byen, Prince N.V. Repnin, forberedte et "operahus", der "en russisk komedie med et kor" ble presentert for adelsmenn av begge kjønn.
N.V. Repnin
Catherine II
Keiser Josef II
Hvem sitt navn er Smolensk Drama Theatre oppkalt etter?
1) A.S. Pushkin?
2) F.M. Dostojevskij?
3) L.N. Tolstoj?
4) A.S. Griboedova?
Hvilket teater er ikke i Smolensk?
Kammerteater
Dukketeater
Opera- og ballettteater
Det er ikke noe opera- og ballettteater i Smolensk, det er en filharmonisk orkester oppkalt etter M.I. Glinka
Smolensk Regional Philharmonic oppkalt etter. M.I. Glinka
Konsertsal Smolensk Filharmonien
Italia Olimpico Theatre (1586) Det viktigste stadiet i utviklingen av europeisk teater var renessansen. De første profesjonelle teatrene med faste lokaler og en tropp dukket opp. Forestillinger skapes på bakgrunn av dramatiske eller andre sceneverk. Det viktigste stadiet i utviklingen av europeisk teater var renessansen. De første profesjonelle teatrene med faste lokaler og en tropp dukket opp. Forestillinger skapes på bakgrunn av dramatiske eller andre sceneverk.
England Globe Theatre (1500-tallet) Teateret er laget utelukkende av tre, kun enkeltdeler er malt i forskjellige farger for å ligne marmor eller murstein. Baldakinen som dekker scenen skildrer himmelsfæren. Teateret har ikke noe tak, det er rundt i formen, og det er ofte en overskyet London-himmel over den.
Gateteatre i Russland Russiske bølleskuespillere har vært kjent siden 1000-tallet. Blant dem var musikere, sangere, dansere, jokere, trenere av ville dyr, spesielt bjørner.
Det første vinterpalasset til Peter I - Eremitasjen Det første vinterpalasset til Peter I - Eremitasjen. Under Peter I ble det første offentlig tilgjengelige, offentlige, statlige teateret opprettet. Men troppene til disse første teatrene besto hovedsakelig av utlendinger. Under Peter I ble det første offentlig tilgjengelige, offentlige, statlige teateret opprettet. Men troppene til disse første teatrene besto hovedsakelig av utlendinger.
